咱们不说那种“先、再、后”的汇报清单，考试这东西啊，就是一场场突然爆发的野兽打架，哪位先反应过来，哪位就赢了。 美术艺考，实际上就是把根本功和手感揉碎了，塞进考场的盒子里。别总想着去背那些张冠李戴的“名人名言”，那些东西在考场上是废纸一张。
你看那画里的人物，别光想着画得像不像，要画得像不像地画。
比如考素描，那不只是是光影对吧？是那种在光线里挣扎的肉体和结构。我遇到过忒多学生，明明透视错了，明明明暗对比灰度不对，结局就是画面里的人头变成了个没五官的球，要么线条像被橡皮擦过似的浮在纸面上。
这时候，你得站在光线下去摸一摸，去感受一下那个物体是如何立起来、是如何挤进你视野里的。
这种手感，是练出来的，不是背出来的。 说到这种手感，不得不提那个“黄金比例”的难题。大量大家教“黄金分割”的人，在考场上只会在那儿画一个完美的矩形框框，结局画出来的图是方方正正的，像块砖。真正的专业老师，是在画的时候不断调整这个比例，看那根腿是不是忒直了，看那个肩膀是不是塌了，然后才去构图。你得学会用眼去找那个“不完美”里藏着的那个“完美”。
比如画个苹果，它要是画得完美，那就没意思了，画得像个人才，那才是真的。 再看看色彩那些，别再当作涂色就是涂色。
那是根本功，是和你人生、是和周围人、是和这个世界接触的方式。考试的时候，你就像是在黑暗中摸索，能看到多少颜色，能调出多浓黑的色调，这就是你的水平。我不建议你去记色卡，那些颜色在光线下会变来变去，不如自己去拿把刷子，去调调那杯咖啡，去观察窗外那棵树的叶子绿到了啥程度。
比如学生A，他当作只要把红色调得够红就能赢，结局画面死得挺快；学生 B 他懂得区分冷暖色，他在画的时候心里实际上默念着“这片天空大约是蓝色的，但底下有点灰”，最终出来的画面才有呼吸感。
这种对色彩的直觉，才是你区别于一般/平平考生的关键。 还有那构图，别总想着追求对称要么居中。考试场上，画个歪楼，也是绝对过关的。大量老师教学生一定要构图严谨，像数学题一样，结局考场上那些严谨的构图图，要么出于结构毛病被判负，要么出于画面忒满显得空洞。你得学会留白，学会让画面呼吸。
比如画一个窗户，别让它把整个画面都塞满，留出一些边缘，让观察者自己去想象外面的世界。
有时候，留一点空白，反而比塞满东西更有力量。
这种对于画面掌控力，不是靠教你一两句“构图法则”就能学会的，你得自己去悟。 说到数据，实际上考试里有大量硬指标能够衡量，但别死记硬背那些数字。
比如考素描，不同年级的构图比例可能不一样，但根本概念是通的。
比如考色，某些高级别的色块对比比某些初级的色块要复杂得多。但归根结底，分数高不代表画得好，画得好也不代表分数一定高。你得明白，那些数字背后，是你无数个夜晚在灯下对着画板发呆、改稿、就连对着镜子发呆的工夫。
那些被退稿的日子，那些画得乱七八糟的废稿，那些在草稿纸上反复横推的线条，才是真正把你打磨成目前的你。 有些学生问我，老师，那我不报大机构，自学行不中？实际上报不报机构，根本不关键，关键的是你在那儿学的是真东西还是假东西。有些机构可能一边喊着“创新”，一边让学生临摹那些几十年前的名家作品，结局考场上出来的是个只会模仿的孙子。真正的老师，会告诉你这门课的本质，会教你如何把这门课变成你自己的东西。 最终，我想说，艺考这条路，路挺长，并且坑不少。别总想着求快，别总想着求稳。艺考就像爬山，有些天你会爬得挺陡峭，有些天你会爬得挺平缓，就连可能在那儿卡住半天，原地踏步。但只要你还愿意去摸那些线条，愿意去调那些颜色，愿意去和那些线条对话，哪怕最终滑下来摔倒了，你也能从地上爬起来。 考试这种东西，它不是让你去证明你有多智慧，而是让你看看，你有多热爱这门课。当你真正热爱的时候，你会发现，那些在考场上被迫压抑的激情，那些在幕后默默坚持的花，都会转化成一种惊人的力量。到时候，你才不会恐惧那些未知的结局，出于你知道，只要还在画，就没有回不去的地方。