在艺考的考场里，美术生大约最熟悉也最焦虑的，非素描莫属。但你想啊，素描哪儿是死板的线条堆砌？那是你脑子里那个天天搬来搬去的小人儿，你得把他画得像自己一样，就连要比他更鲜活。大量人当作画得像照片就赢了，实际上最大的坑就在这儿，就是试图机械地复刻光影，结局画出来的人头像都有点僵硬，像张没动过嘴的纸糊脸。 说到色彩，今天的场子里最火的就是丙烯颜料，毕竟便宜又出效果快。别嫌那颜色刺眼，恰恰是出于便宜，粗糙，故此才显得俗气。真正的艺术家，哪怕是校园里的涂鸦，也得懂得用颜色讲故事。你得明白底色不是底色，那是情绪，是背景板，才能让你的主体跳出来。
比如画静物，要是你把番茄画成那种廉价的亮橙色，那它就没法衬托出旁边那个深红的李子，就连没法体现出那种微微发酸的酸味。你得学会调色，把颜色揉碎了混合，让那抹暖红里藏着点冷灰，那种质感才叫成熟。 说到造型，实际上也不是非得去画那些复杂的结构图。大量自控本事比较差的考生，喜爱先画个透视准的大框框，然后硬塞进去每一个器官。
这就像把刚出土的文物直接按霍格沃茨的衣着去打扮，别看场面壮观，但一看就是个“道具”，没有灵魂。真正的专业，得先抓住物体的本质特征，比如苹果是圆的还是椭圆的，花瓣收还是收得圆润，然后再根据你自己的理解去加工。
有时候，画圆比画椭圆更有力，有时候，画歪的结构反而更有动感。
这就好比拍电影，你不需求每一帧都严丝合缝地还原剧本，更不需求每一个镜头都完美得像个模子刻出来的，关键在于镜头语言得连贯，人物的动作得合理，哪怕光影不对焦，只要气韵是通的，观众往往还是认定你拍得好。 然后就是素描里的明暗处理了，这是最考验功底的环节。
那会儿我认定只要黑灰纸调得对，亮块涂得满，就能拿高分。
后来才知道，明暗的减法才是王道。大量学生在考场上把暗部涂得密密麻麻，生怕你看不见，结局那些地方一黑到底，像被墨水浸泡过一样，彻底丧失了体积感。目前的趋势是，我们要敢于留白，用浅色去透气，让暗部退让，主体才能拔高。就像写文章，要是字都堆得挤糊了，读者肯定看不进去，你得留点白，让读者的视线能呼吸。 说到创意，这确实是目前的加分项。你能够画一个机器人，也能够画一个穿着和服的小孩，就连是一个正在发酵的馒头。
有没有一种可能，你拼凑出来的东西，比原本的实物更有趣？比如画一个把苹果套在头上，要么用石头做衣服。
这种大胆的想法，往往能证明你不只是是个技术流，还是个有想法的创作者。自然，创意不能脱离审美基础，要是画得乱七八糟的，光想着“这想法挺酷”那就忒下作了吧。最好的创意，是把你平时生活中那些最不起眼的东西，提炼出来，放到最舒服的画布上。 还有构图难题，这就像是拍照片的取景器。
不要一直把主体画在正中央，那样忒死板了。试着把主体放在画面边缘，要么对角线，要么画框的内外，让视线有流动的空间。
有时候画面留白多一点，反而比画得忒满更有力量。就像呼吸，忒满就憋闷了，忒轻又没了形。
这种对空间关系的掌控，拍板了你的作品会不会显得空洞。 最终说说心态。艺考有时候就像一场即兴表演，要是你预备了挺久，突然忘词了，要么走神了，肯定会崩。
这时候别慌，深呼吸，重新看那张稿纸。把那个黄了的画面想成是练习，告诉自己：好钢用在刀刃上，这哪儿是失误，这是我在积累。
那些在考场上晕头转向的考生，实际上心里比哪位都清楚自己哪儿不好，只是不敢承认。真正的提升，往往来自于承认不足后的行动，而不是画完之后就认定自己天衣无缝。 故此说，艺考不仅是技术的比拼，更是心性的磨砺。技术让你及格，但心性让你拿奖。别只盯着那些高冷的电脑屏幕，多看看现实里的光影，多观察身边那些不起眼的东西，它们才是你下次考试时最实用的灵感源泉。当你不再执着于“画得像”，而是启动思索“我画的是哪位”，“我认定他是哪位”，你就已经迈出了从应试到创作的第一步。到时候你会发现，那张粗糙的素描纸，实际上早就藏着你最鲜活的生命力了。