器乐艺考这玩意儿，说白了就是看哪位胳膊长，哪位耳朵灵，哪位更能在那张把子前头硬气地站直。
那会儿有人认定这是死记硬背的寂寞苦差事，目前嘛，真就是一场大乱斗，讲究的是听、说是、看、做，四大金刚齐上阵，缺一不可。 想拿分，起初得明白，目前考啥。考的不只是“如何弹”，更是“能弹啥”。
那会儿那种专注于单一门独奏的分数可能还在，但你一抬头，“流行乐”这四个字就炸开了锅。各省市目前都在玩啥？“流行电音”、“国风新韵”、“硬核摇滚”、“说唱交响”……这哪是在练琴，这是在练脑子，练风格，练如何跟目前的听众对话。就像目前推特的算法一样，你的风格要是忒老土，算法立马给你刷个“不感兴趣”，分数自然水落石出。
故此，根本功是地基，但风格是房子，地基塌了，房子盖得再高也盖不住风沙。 说到根本功，这得分层。最底层的，是手指头的触感。大量考生总当作练手指头就是按那个音程，实际上不然。你得让手指头有“记忆”，有“重量”，有松弛感。就像弹琴的吉他，你不能只按，得顺着脉搏走。我见过不少同学，手指头像小鸡爪子，指腹不干净利落，一按就“咯吱”响，音准立马出难题。
这时候你得学会“倾听”，听自己手指头发出的声音，听琴盒的震动，就连听空气的摩擦声。练的时候，别光想着按下去，要想着手心里长出了茧子，那是肌肉在讲话。 手指头的巧劲，往往藏在那细微的节奏里。
比如一首 3/8 拍的小步舞曲，中间那个休止符，这就不再是空白了，那是情绪的留白。
这时候手指头得像是被抽走了力气，只剩下一丝管住，在休止里也能把气吹出来。
这种“气”，靠的不是嘴，是靠手指头的包裹感和呼吸的配合。练久了你会发现，手指头的敏感度是天生的，但一旦遇到这种细小的差池，那种挫败感会麻利累积，这时候就需求一点“技巧”来补救。 技巧里的“技巧”，实际上就是你对技术的理解度。
那会儿看谱子，认定音符是死的，是黑白的方块。但目前，音符是用来“讲话”的。
比如《童年》这首曲子，你按下去，它听起来像是一个小孩在哭喊；你停一度，它又像是在幻想一只大鸟飞过。同样的旋律，同样的速度，换个耳朵，感受就是天壤之别。
这种感受力，啥叫莫扎特的《第一钢琴协奏曲》？你不用弹出来，光是脑子里把整个乐章在脑子里过一遍，你就能感觉到那种庄严、那种宏大，那种音乐把人的灵魂都拉起来的感觉。
这就是所谓的“听觉想象力”。 这里有个特别的数据留存，关于那种极端的“顿挫感”。在重金属要么朋克音乐里，那种简直是“顿”出来的节奏，对指法的要求是变态的。大量苦练了十年的“独活”，到了那种地方发现根本做不到。出于那种节奏忒碎，忒快了，手指头根本跟不上，只能靠手腕去“借”力。
这时候，大量老手会调整一下手型，要么干脆把整个乐句拉长，给那个“顿”一个缓冲的余地。
你看目前的选秀节目，那些节奏感极强的选手，往往不是手指头弹得更快，而是他们懂得在“快”和“稳”之间找平衡。 再说说表情管理。
这是大量人避之不及的环节，但实际上最关键。音乐是流动的，它没有脸，但你的脸务必有。别总想着“我脸上有谱”，表情要自然得像呼吸一样。
你看周杰伦弹《告白气球》，他眼神里全是温柔，嘴角带着笑，整个人都在发光。
那种松弛，是出于他心里根本没谱，确实在舞台上和听众真诚交流。
反之，要是全程板着脸，像个机器人，哪怕弹得再对，观众也只认定你像是在做广播体操。 说到现场表现，这实际上是给考官看的“人”。
那会儿认定琴声好听就行，目前嘛，你上台那几分钟的停顿，你步行的姿态，你就连跟你队友的眼神，都在影响分数。大量考生根本没想过“我在演”，忒紧张，手都在抖。
这时候，你会发现现场气氛变了，你本来想弹高八度的 C 大调，结局出于紧张，手反而没弹上去，要么弹低了。
这时候，你得学会“欺骗”自己，哪怕心里慌得一批，面上也要稳得像泰山。 还有一个方面，就是“留白”。弹琴就是聊天，聊天就是聊天。有些曲子，你越拉得越满，那味儿就不对了。
比如巴赫的某些复调段落，要是你非要填满每一个缝隙，整首曲子就没了骨架，像一锅炖好的肉，再香也没味道。
这时候你得学会“松开”，让旋律自己去讲话。
这种“松开”，需求极大的底气。
要是你紧张到不敢松手，那音乐里就没有“你”了，只剩下个说明书。 最终得提个“坑”。大量学生为了追求完美，把一首曲子弹到像白开水，完美无缺。
实际上，恰恰反之，那种完美的无聊，才是最大的毛病。艺术是粗糙的，是人性的弱点。
那些略微有点小瑕疵、略微有点跑拍的地方，往往比那种四平八稳的更迷人。就像生活，哪有那么多路人甲路人乙，哪有那么多完美无缺的人？ 总的来说，器乐艺考是一场关于“人”的考试。它考的不是你手指头有多快，考的是你眼力有多尖，是你能不能像个活生生的人一样，带着情绪去弹奏。
要是你连自己的音乐都在发抖，那去考啥，根本都不关键。
毕竟，能弹得让人流泪，比能弹得让人头皮发麻更难得。