音乐艺考唱什么歌-音乐艺考选曲目
毕竟,职业考音乐生那是去拼命的,去骗考官的。他们要的是你在 C 大调里能不能稳得不带喘气,是那个把“副歌”唱得像是自己肚子里装了个破鼓的,还是能把那种让人眼前一亮的“爆发力”硬生生逼出来。 拿点临期的《爱如暴风雨》当示例,前奏一响,你或许认定那是青春期的热烈,但真正听到后半段,你得知道那里面藏着多少断音、多少咬字吞吞吐吐、多少为了凑时长而硬塞进去的假声。最终那句“风雨过后见彩虹”唱得比前奏还稳,人家要的是那种撕裂了喉咙之后还能重新长出来的痕迹。歌单里的《起风了》要么《起风了》的翻唱版,表面看是旋律优美,实则是歌手在痛苦中挣扎后强行按着的节奏,那种“既然要唱,就唱得像个疯子”的荒谬感,才是他们最想要看到的现场。 自然,要是你非要拿首听得进去的歌,那就选那首能把你唱到嗓子冒烟的《曾经的你》。Verse 局部的处理,不能是那种平铺直叙的叙述,得是带着点哭腔的叙述,可别把“可惜”两个字唱得像在给听众递烟,否则人家会认定你不仅嗓子废了,连情商也废了。副歌局部,得把那种无力感撕开,像是要把肺里的空气往外倒,但最终那个高音点,得让它像是被磨平了棱角后突然扎进来的钉子,扎在观众耳膜上,而不是在喉咙里。 实际上大量时候,我们当作自己在找歌,实际上是在找“这个点该如何停”。
比如《沙楼的歌》,前奏的吉他扫弦是那种带着侵略性的,你要跟着那种躁劲去躁,而不是去跟着那种和弦走向去“走”;到了最终那句“你心里有我”,得处理成一种近乎绝望的松弛,那种松弛得仿佛下一秒你就会确实飘走。
这种对节奏的精准把控,比选啥歌都关键。 你看《青春之歌》的初版,那旋律像是一根绷得忒紧的弦,略微用力一拉就断,考场上你不敢让那种断音出现,只能让你在“积蓄”和“释放”之间反复横跳,既要唱出那种宏大的叙事感,又要把每一个弱音都唱得像是在吟诗。 还有《橄榄枝》这种曲风,实际上最考验的是乐句的长短结合。前 30 秒你得拉着人,像把整个房间都震碎了;最终 30 秒你得让人软下来,像把房间里的所有灰尘都吹没了。
这种管住力,往往比唱功本身更让人倒胃口。 有时候,歌单就连是个庞大的陷阱。
比如《凉凉》这种悲情曲风,唱起来要有一种“我在回忆”的孤独感,但不能是那种“我好想哭”的宣泄,得是带着面具的哭泣,那种表面平静底下暗涌的张力,才是职业考音乐生最缺的东西。 实际上,选歌最大的误区就是追求“好听”。你不用去模仿那些老歌的腔调,也不用去套用那些流行歌的副歌结构。你要找的是能把你逼到极限,逼到你愿意为了这个点撕裂声音的。 再比如《我爱你》,这首歌的副歌局部实际上挺经典,出于它忒稳妥了。稳妥到让你没法如何改。你要么把它唱得像在宣誓,要么就唱得像在谢罪。但真正想做的,是把它唱成一种“我早已习惯了这样的等待,直到你出现,直到我拉倒”的无奈。
那种无奈里藏着一种对未来的无力感,才比那种“我确实挺爱你”的直白更让人记住。 还有《明天过后》,那种带有民族色彩的旋律,实际上是在告诉你:音乐不只是旋律,而是生活。唱这首歌,你得把那种“明天过后”的苍凉感,唱成一种对现实的妥协,而不是对理想的坚持。别把所有的希望都唱在曲子里,有些东西只能留到演唱终止,就连留到考毕,都别想。 实际上你会发现,大量大家熟知的歌,大量时候在考场上是唱不响的。
比如《两只蝴蝶》,那种完美的和声处理,在教室里可能都难做到,更别提在考场这种高压环境下。你该找那些有“瑕疵”的歌,那些有衬词、那些有断裂、那些有错位的歌。出于这些歌本身就带着一种“不完美”,而这恰恰是职业考的音乐生最精通的——在完美的框架里,揉进一些不完美,把那种“尽力而为”的味道唱出来。 最终,再说说选歌的结尾。千万别硬生生把歌唱完就终止了。得在最终几个小节,留个钩子。
比如在某一句唱到一半,突然把调子拉得挺低,要么干脆把最终一个字拖得老长,然后突然切断。
这种“戛可是止”的感觉,比任何完美的收尾都更能抓住人。 总而言之,歌单不是用来填鸭的,是拿来用的。你要用的时候,别找那种让你认定“我唱完就完了”的歌;要找那种让你认定“我唱完还想再看一遍”的歌。
毕竟,职业考音乐生不是来当歌星的,是来当“歌手”的——也就是一个能把歌卖给你,并且卖得让你舍不得买的人。 故此,别纠结歌单了,先把自己的嗓子练结实了,再去想唱啥。
哪怕是从《平凡之路》的副歌启动,哪怕是从《海边的故事》的尾声启动,只要你的声音里带那股子狠劲,哪怕最终那句歌词唱得有点歪,只要你是出于心里有鬼而不得不唱,这就是归于你的舞台。别总想着唱好每一首歌,有时候,唱坏一首歌,比唱对一首歌更让人铭记。
毕竟,真正的职业,不是在台上哪位是哪位非,而是在台下,哪位敢把那张脸撕下来。
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