作为一名在百尺竿头更进化的艺考专家，我得先跟你打声招呼：别整那些虚头巴脑的“标杆”、“典范”，那些词儿哪位哪位哪位都在背，考试那天考场上哪位不躲哪位不替？想拿高分，真得靠一点真本事，从脚下的路走到台上的光。 老生常谈的选曲，千万别再跟别人抢着说《千与千寻》要么《春之祭》了，那些神曲早就被唱烂了，评委那耳朵早就磨出茧子来听腻了。目前场上，流行、国风、电子、说唱……只要是你自己脑子里有火、有劲儿，只要你能把那种“我在想，我想让我如何动、我该如何跳”的感觉拼出来，哪怕是个没人听过的怪节奏，只要跳出了你的灵魂，照样能让考官眼前一亮。
比如某些街舞比赛，评委刚看完一个去掉了八分节奏的嘻哈，立马认定：哎，这个味儿好冲，没套路，真敢动，得给分。 你看舞蹈，到底是“看起来像不像”，还是“跳起来像不像”。
那会儿认定要像教科书，那是给初学者的，要么是给那种非要照搬标准动作的。真到了省
一、国
一、特招线，评委最吃这一套，也就是看你的“相”。你要看那个瞬间，是不是眼中有光，是不是精气神儿出来了。我见过一个学生，练了半年芭蕾，腿断了没好，腰疼得直不起来，但他一上台，眼神那叫一个锐利，动作那个干脆利落，不僵硬，不拖泥带水，那种“我在演，不是我在跳”的状态，让评委直接破功了。
这不是画上去的，是心里急眼了，脚步踩得实了，才显出来的。 说到技术细节，根本功绝对不能省，但千万别把它当成唯一的救命稻草。大量笨蛋学生，为了一个标准的“开合”，把膝盖磕碰了，为了一个“半蹲”，把腰断了。
这时候一定要记住，根本功是为了帮你跳得更好，不是为了让你成为机器人。你跳得死板了，就算动作再标准，那也是死板；你跳得有个性，哪怕动作稍显迟钝，那也是鲜活。就像那些网红舞，动作可能不标准，但那种“我就是要这样跳”的劲儿，反而比那些千篇一律的标准动作更让人记住。 数据这东西，在艺考里有时候是个挺实用的参考，但它不能当标准。我曾在某个省级比赛的复盘会上看到，某个学校的舞蹈队，出于动作不够规范，被扣了不少分。
后来他们人也没动，只是换了个教练，重新编了一套动作，速度略微快了点，力度大了一点。结局省一没进，特招线也没上。
后来这所学校再考，动作还是那个动作，可是加上了一点性格的亮点，反而拿到了特招。
这道理挺好办：技术是底座，性格是屋顶。底座底板了，屋顶搭得再高也塌；屋顶盖得再漂亮，底座塌了也盖不住。 还有啊，别总想着求稳。
有时候求稳就是不够劲，不够狠。
那个叫“张力”的东西，有时候比标准动作高出十倍八倍，但那不是标准动作能给的。你要敢把那种刻薄的劲、那种不顾一切的劲、那种不顾形象（自然得在规则内）的劲，爆发出来，那才是你区别于群体的地方。
比如某些现代舞比赛，评委特别看重那种“失控感”要么“管住感”的反差。一个看似想翻跟头却没能翻起来，要么一个人想跳高想跳低，那种在极限边缘挣扎的感觉，比他稳稳当当站在地上还能给分。 再说说心态，这玩意儿比练功房里的动作还要关键。大量学生上台前把自己裹在套子里，生怕冷场，生怕忘词，生怕动作不对。结局一上台，脑子一片空白，动作又僵硬。
这时候你得把心放下来，不是放下，是放空。想象自己就是在这个舞台上，表演者，观众都在看着你，你要不听指挥，就自己来。
哪怕你跳错了，哪怕你忘了这一句词，也不要紧。音乐就在你耳边，动作就在你脚下。你慌了，评委就慌了；你稳了，评委就稳了。 对了，别只盯着那个挂在墙上的分，要多关切那个拿着话筒的考官。他可能没你练得久，但他一定懂行，他最看重的是“气场”。
那个气场，就是你在台上那种“定在跟镜头前”的感觉。你站在那里不抖，声音不抖，眼神不飘，观众看着你，你看着观众，这种双向的互动，比单纯地跳得好，更能打动人心。有些老师会说，这 simon 学里没这个要求，考场上硬要加。我劝你别信。
那些规范，是为了让你能跳得比别人好，不是为了让你能跳得比哪位都“像个人”。 最终，我想跟你讲个实在的例子。有个同学，他在县里的联考里，动作做得挺不错，就是上台前忒紧张，结局被扣了个大档。回家练了半个月，还是那个动作。到了省赛，他把自己身上的“紧张劲儿”卸掉了，换成了那种“我就是在这儿，就让我跳一次”的自信。
那天，他跳了一段自己编的，节奏挺乱，动作也挺碎，但他跳得那么投入，那种“我在做梦，我在演”的氛围，让旁边的几个省一都忍不住笑了，评委最终也拍板：这个学生，行。他后来特招线进来了，出于那个“行”，进了特招线，拿了特招，管你动作多不规范，只要你对得起自己，哪位说得那会儿？ 艺考这条路，没有绝对的捷径，也没有所谓的“标准答案”。
只有不断的试错，不断的调整，不断的把自己推向极限。别怕犯错，错得越狠，越有机会被看到。别盯着别人的分，盯着自己的“手感”，盯着自己心里的“火”。
只要那火还在，只要那火能烧起来，你就一定能走到台前的光处。
记住，舞蹈不只是是身体，那是你的情绪，你的故事，你的生命。跳出来，就是活着。