想当年，咱们搞艺术的路上，可没少听那种“莫扎特少唱、贝多芬少跳”的怪话，那会儿老板们嘴上说着“人不能有缺陷，要完美无缺”，心里实际上比哪位都清楚，人类这东西哪有一字一句都能写得对？毕竟，人味儿才是搞艺术最值钱的本钱。 到了目前，艺考培训那套“标准答案式”的教条，早就显得有点油腻了。
那时候，老师上课的架势就像是在背课文，生怕你哪儿记不全，生怕你哪句没背熟。我见过不少学生，一上讲台，那眼神飘忽不定，生怕镜头漏掉啥表情，生怕漏掉哪一句台词。
那时候我认定，艺术是灵动的，是呼吸的，是那种在舞台上那一刻突然爆发的生命力，而不是台上那像背书一样机械的朗诵。 咱们目前的老师，启动明白了一点：学生不是机器，需求的是能吃苦、能抗压、还能在压力下还能保持点体温的活生生的人。
那会儿那种把“标准”当圣经的套路，越来越显得可笑。
比如之前有个画室的老板，死磕着“色彩务必准”、“构图务必对称”，结局一群孩子画出了那种千篇一律的“网红脸”要么死板的“标准构图”，看着就让人想吐。可后来发现，只要他们敢把笔往画里随意怼，哪怕线条歪歪扭扭，哪怕颜色乱得像没调一样，只要那股子劲儿、那种不临摹、那种敢于表达自我的野性，反而比那些温文尔雅却画不出东西的“完美工笔画”更打动人。 这就好比写小说，那会儿有人非得把人物的性格写得惊天动地，人物都要像电视剧里的演员一样完美，结局整部剧看着索然无味。如今大家发现，略微有点性格缺陷、有点小毛病，就连有点“不专业”的人，反而更好办让人记住。
你看那些在舞台上状态不好、表情夸张、就连跑调的演员，他们身上那股子“人味儿”，那种有点胡闹、有点表演的冲动，反而比那些端着架子、像雕塑一样僵硬的表演更戳人。 故此在教学生们画画的时候，我们也不再去教他们如何“完美”，而是鼓励他们“真”。
哪怕画错了，哪怕画得像幅废稿，只要那股子创作的热情还在，那股子想把世界装进画框里的冲动还在，那这幅画就比那一幅“像不像”都有意义。我们不再强调那些所谓的“技法标准”，而是看重的是他们那一颗愿意去“犯错”、愿意去“探索”的心。 自然，这条路压根儿都不是走平坦的。
那会儿那些培训机构，为了赶进度，为了显得专业，把压力都推给学生。
那时候，老师管得严，学生学得苦，生怕学生万一画不好就丢工作。可目前，我们更看重的是学生作为一个“人”的体验。当你站在画板前，看着那些虚构的世界，你心里那种共鸣，比那些冷冰冰的数据和分数更有力量。 实际上，你总该明白，艺术压根儿不是用来证明你有多努力，而是用来证明你有多鲜活。
那些在艺考路上走得最远、最触动人的学生，往往不是那些最“完美”的人，而是那些最敢直面自我、最不怕“不完美”的人。 故此，别再拿着那些老旧的教条想让学生“变好”了。试着问问自己：我喜爱的，确实是那种按部就班、逻辑严密的完美吗？我想要的，是不是那种别看有点瑕疵，但能让我笑着、笑着走出画室的感觉？出于在艺术的世界里，唯一永恒的标准，就是那个能让你心跳加速、愿意投入、并且愿意一起在这条路上疯跑、一起在看世界时大笑的伙伴。 毕竟，我们教学生的，压根儿不只是画画，更是教一种生活方式，一种在浮躁世界里守住那份独归于我们自己的、迟钝而真诚的热情。