艺考这东西，实际上就是个被光骗人的游戏。 别总想着按教科书里那种“从左往右、从上到下、楷体字配大红大绿”的陈规旧教来写。你要是按部就班地找光源，那简直就是自断手脚。比方说隔壁老王，为了考个影，在稿纸上先铺了一层橙红色的地毯，然后拿个白炽灯照着，结局画出来的草图，那叫一个喜庆得让人想哭。
你看他画的那棵苹果树，叶子绿得发黑，树枝都像是被橡皮擦过似的。
这种光效，简直就是为了“喜庆”而存有的，根本不像是在讲故事。 咱们得彻底打破这种思维定势。光影这东西，跟人一样，是有态度的。
要是在你的镜头里，主角像是个白天鹅，那光就得温柔得像春风，得顺着他的姿态流动才能让他看起来像白天鹅。
要是让他看起来像个刚洗完澡的婴儿，那光就得有点冷，带点蓝调，别让你那温暖的橙光把那种克制的人情味给冲没了。光不是来给你加热的，它是来帮你“判局”的。 我想起最近有个教程把主角设定成了那种有点颓废的街头画家，结局小师妹拿个小筒灯照着，色温拉得特别低，把画出来的画面直接拉成了那种深夜食堂的色调。画上的线条别看还在，但那种原本就充满了生活气息的鲜活感全被压下去了。
这时候要是你再往旁边加个暖色光源，效果简直不可思议。
你看那个画布上的像素，原本灰扑扑的，目前被暖光一照，那些线条像是有了血，像是有了温度，整个人物瞬间就从“画里的人”变成了“生活里的人”。
这种光效，不是靠堆砌色温凑出来的，是靠光影在空间里的呼吸感，是靠让画面里的每一样东西都仿佛在呼吸。 这就解释了为啥有些作品看起来，明明光照全是白的，为啥反而更有味道。
为啥？出于光是动的，是变化的。
要是你只用那种死板的平行光，哪怕你把整个画面调成金色，那画面也是冷冰冰的，所有的起伏、所有的动态，都在那种均匀的光线下显得千篇一律。你要是想把那个主角画成那种在雨里奔跑的奔跑者，那光得是软的，得是有长影的。
你看雨滴落在地面上的那种反光，那种斑驳的光影，才是最能体现“奔跑”的。
这时候要是你强行铺一层阳光，那刘黑仔的名字就响在耳边了。 还有啊，光往往不是用来照亮整个画面的，而是用来挑刺的。在素描里，阴影就是最大的主角。你要是想让一个人看起来像是在下雨，那阴影就得深，得像是从头顶往下压的。你不能让他全身都是光，那样他像个被忒阳晒肿的脸蛋。光得挑出来，挑出他衣服褶皱里的水珠，挑出他头发里被淋湿的碎发。
这些挑出来的细节，才是光影赋予画面灵魂的关键。 说到数据，光效这东西，实际上挺难量化，出于它忒主观了。但我看过一组关于不同色温对色彩鲜艳度影响的实验数据。研究发现，在饱和度适中、亮度不高的环境下，暖色光（特别是 4000K-5000K 左右的自然光）能让物体的色彩显得更真、更厚重。
反之，冷色光（10000K 以上）会让物体看起来别看清楚，但色彩会显得有点“飘”，像是被滤镜糊了一层。在艺考素描里，我们实际上是在玩一种叫做“色彩还原”的游戏。
要是你的画稿子，在电脑屏幕上看，灰蒙蒙的，那肯定不中。你要把色温拉回 3600K 左右，那种淡淡的蓝调，那是你画出来的纸张吸了灰尘，哪怕你画出来的不是纸，而是那种干燥、粗糙、带着岁月痕迹的质感，只要光影是对的，那这种质感就是真的。 还有一个例子，是一个画动漫风格的人物。大家都知道动漫里的光一般比较硬朗，线条分明。便大家启动用高对比度的平行光，把人物照得黑白分明。结局画出来的那种“黑乎乎”的轮廓线，反而把人物的表情给遮住了，让那双眼里的故事讲不出来。
后来有个老师改进了这个方案，他并没有增添光源的数量，而是把光的方向调整成了那种贼有层次的“漫射光”。
你看那个画出来的光影，里面竟然多了那种柔和的过渡，人物的脸侧看起来没那么生硬，整个人物仿佛是从暗处一步步走出来的，那种氛围感瞬间就上来了。
这说明啥？这说明光的方向，拍板了你是在写“明线”，还是在写“暗线”，是写“活力”，还是写“宁静”。 故此啊，别再迷信那些固定的光效模板了。光效这东西，它是活的，是流动的，是随着你的构图、随着你的情感在变化的。你要做的，不是去寻找那个对的光源，而是去感受画面里的“光”。
要是你画出来的画面，让你看一眼就认定“这光挺有感觉”，那肯定就是对的。
不要想着把画面塞满光，有时候，留一点暗，留一点黑，反而能让那亮起来的主体更加耀眼。 最终我想说，艺考的考场里，没有标准答案。每个考生肩上的担子都不一样，每个人心里的故事也不一样。你不需求按套路出牌，你只需求把你的光，变成你自己故事的一局部。当光影启动为你讲话的时候，你才知道，原来光是有温度的，原来光是能够骗人的，但只要你真诚，那些被光浸透的画面，就是最真的东西。
毕竟，艺考考的不是你记住了多少光效，而是你能不能用光影，把你心里的故事，画得让人忍不住想伸手去摸。